Changes in 20th Century Music that affected Symphonies and Symphony Writers and Project the Future for 21st-century Symphonies

(My Opinion in) changes in 20^th century music and how that affected symphonies and symphony writers. Then, project the future for 21^st-century symphonies (styles, timbres, forms, venues, audiences, media, and so forth)

20^th century classical music is also known as Modern classical music. In early 20^th century the style of composition definitely changed from romantic period. We could found new words such as Atonal, Serialism, Chance music, Experimental music. Composers were more willing to experiment with new music forms or reinvent music forms of the past. They also took advantage of the resources and technology that were available to them. Composers had more creative freedom. Composers in 20^th century try to diverse reactions in challenging older categories of music, innovations that lead to new ways of organizing and approaching harmonic, melodic, audio and rhythmic aspects of music, and changes in aesthetic worldviews in close relation to the larger identifiable period of modernism in the arts of the time. Could say this is also innovation in music.
                The change of the styles and techniques that are affected symphonies and symphony writers by their way of composing that they try to equal all the sound by twelve-tone technique (created by Arnold Schoenberg) but the sound that occur from this kind of composing is not sound that simple and could say that it’s hard to listening to or to appreciate with the sound like the past because the composer want to share new ideas of music. Another thing that changes from the past is the smaller size of orchestra if compare to the past because the value of money had change after world war there was depression. Definitely no one interested to attend live performance and no one have money to pay for concerts. People need to keep money for their living. So composers have to decrease the number of instrument in their composition so they can hire musicians to perform their own composition for example in Anton Webern’s Symphony (op. 21) composed in 1927. That has 2 movements but has only 9 minutes long. It’s short but has many ideas in this symphony such as complex canons, final six pitches are a transposed retrograde of its first six pitches of the matrix, seven variations in the 2^nd movement.
                If I could project the future for 21^st-century symphonies and also all kind of music, I think there won’t be the composer or musician that their career is only do the music stuff for their living. Those could be doctor or businessman that can be musician and composer. Because music will cannot be occupation anymore. People in society think that music is just easy thing to find and should be free for them. They can do illegal things by download free MP3 from internet or event watch free music video and concerts from Youtube website.  The value of music will decrease. Nobody interesting that how musicians or composers will live their live so people who love music need to do music as hobby and just share their idea to free media. This also affected symphonies. No one will listen to long music because they need to keep time to do the job for capitalism life style. No time to appreciate art but keep working and concentrating for factory system and their boss. The forms, styles, timbres will getting shorter and less instrument (That’s already happened in Webern’s symphony already; short symphony). Instead of using musical instruments they could use others equipments such as watering can or spoon to be a part of compositions. For example, Drip Music by George Brecht that can expand this idea of composing to be a dripping watering can symphony. In the style of music in 21^st century could be easier to understand and maybe have no form of music and also try to escape from the form in the past. 

The Classical Music Criticism and Judgment by Mutita Narkmuang

The Classical Music Criticism and Judgment
by Mutita Narkmuang
February 23^rd, 2013
               
               Classical music is one kind of the art music from various style of music. On Oxford Dictionary give the meaning of classical music as serious music following long-established principles rather than a folk, jazz, or popular tradition, and even give more specifically meaning by the period of music(since the music has 6 periods; middle age, renaissance, baroque, classic, romantic and contemporary)  that classical music is the music written in the European tradition during a period lasting approximately from 1750 to 1830, when forms such as the symphony, concerto, and sonata were standardized.
                How do we judge the classical music, and what is the musical value of classical music? I think this is the hard thing to critics about the good or bad of the things that we call it as one kind of art.
We could analyze music by their elements such as the musical form, the harmony, the rhythm, orchestration, register of that piece etc. But also the problems is everyone has different taste and also some have the same taste too such as one composer love the way dominant chord run to sub median chord and then resolve to dominant again then end with tonic chord but another one like the way to begin the phrase with sub median then dominant for two bars to extend the dominant longer (could call it as dominant prolongation) until tonic in the last bar. The question is what is the best chord progression of those two ideas? , and how do we judge what is the best chord progression?  And interesting question is how do we judge that one piece copy from any other pieces? Another example is if we judge one of the phrases in symphony no.9 by Beethoven “Ode to Joy” as the best phrase that compound with many good melodies, best chord progression and  orchestration and great idea to add choir to that movement but there is also a question that who judge that this phrase is the best. How do they judge? , and what is the material that they use to judge this kind of classical music to make it the best of Beethoven’s pieces?
                The Best music in all kind of area not only includes by best music by creativity composers but also has to have best performers that can perform the best performances too. In classical music the performers have to do analyze and interpretation the music that they will perform, have to know the period of that music so they could play as the style of each period, have to practice in the right way to gain more techniques to their muscles to control their musical instrument, have to perform as natural as possible like they are speaking, eating or walking. The best performers have to bring all emotions and energy from the music that is just a music note on the paper to touch their audiences’ heart. The problems are what is the best performance?  , and how do we judge the performance?
                As a classical guitarist I used to compete in one competition. All juries have to fill in the form for all competitors. There topics are Technique, Dynamics, Balancing, Precision and Rhythm, Style and Expression, and Stage Performance. Maybe those topics could judge the best performance but the problem I could see was one song that I performed called Marley’s Ghost by Andrew York the main part of first section was the melody on the bass line. One of jury wrote on the Balancing blog that I played too loud but another on said I played too soft so I got the question that who is correct?  This could show that it is hard to judge the best performance. It is depend on what do you like? What is your feeling? What are the things that you used to experiences?

                At last the way we critic and judge classical music could be judge from both quality of pieces and the quality of performance. The performers should know the aesthetic of composers who composed the songs that they will perform so they can perform in the way right way from performers’ interpretation. And definitely the listeners will judge it by their experience and feeling.  

one of my idols

I'm not a pianist but Ajarn Bennett is still my idol.
He taught me how professional performer should be and should do.( I saw him practice every morning since I was undergraduate student and that w

as inspired me a lot....also he told me that when perform just try to think that the audiences are adorable rabbits )
Today he just taught me about Wagner's opera. He also taught me how professional lecturer should be.
แม้เราจะไม่ใช่นักเปียโน แต่ได้อะไรๆจากอาจารย์เยอะมากๆ

Picture : Claudio Arrau and Bennett Lerner

เรื่อยเปื่อย

ทุนนิยมบอกเราว่าการทำงานคือการขายเวลาของเราให้นายทุนแลกกับค่าตอบแทนเล็กๆน้อยๆที่เป็นกระดาษที่เรียกโดยทั่วไปว่าเงิน แต่บางทีการเลือกเอาเวลาของเรามานั่งครุ่นคิดกับตัวเอง นั่งเฉยๆบ้าง นั่งอ่านหนังสือดีๆสักเล่ม กาแฟดีๆสักแก้ว เบียร์หรือวิสกี้รสดี หรือได้คุยกับคนคอคิดเดียวกัน หรือทำสิ่งที่เรารักที่จะทำ น่าจะถือว่าเป็นงานอย่างหนึ่ง งานที่จะต่อถักทอแรงดลใจ วิญญานและลมหายใจของเราเองให้ดำรงอยู่ได้ต่อไป:mutipear :171112;16.13

ความงามคืออะไร มีจริงหรือไม่

จากการได้พบศิลปิน ความงามคืออะไร มีจริงหรือไม่
เยี่ยมอาจารย์

Kamin Lertchaiprasert (15-11-12)

ความสวยอาจสื่อถึงรูปธรรม การมองเห็น การสัมผัส จึงจะรู้สึก
ส่วนความงามอาจมีความลึกซึ้งในทางความหมายมากกว่าซึ่งอาจจะเห็นและสัมผัสเหมือนกัน
แต่อาจต้องอาศัยการตีความมากขึ้น ถ้าหากอธิบายเป็นตัวหนังสืออาจจะยากเสียหน่อย

การได้ไปเยี่ยมอาจารย์คามิน ถือเป็นการค้นพบว่ามีศิลปินที่โลกตะวันตกยอมรับพำนักอยู่ในจังหวัดเชียงใหม่ งานที่อาจารย์คามินถ่ายทอด อาจสื่อถึงความเรียบง่ายแต่คมชัดในด้านความหมายมากกว่าจะนำเสนอเทคนิคที่อลังการเลิศหรู ผู้ที่ชมงานอาจต้องคิดไปด้วยซึ่งไม่ใช่งานที่บอกความหมายตรงๆที่เห็นปุ๊ปแล้วจะรู้เลยว่าอะไรเป็นอะไรจากการมอง  ซึ่งสามารถสื่อไปถึงพิพิธภัณฑ์ที่อาจารย์สร้างขึ้นคือ 31st century museum ภายในพิพิธภัณฑ์นี้ล้วนบรรจุความหมาย ความรู้สึก ความมีอยู่ของอารมณ์ และจิตใจของมนุษย์ ซึ่งอาจารย์คามินก็ได้รวบรวมสิ่งที่สามารถสัมผัสถึงความรู้สึกของอาจารย์คามินไว้ภายในพิพิธภัณฑ์นี้เพื่อแบ่งปันแก่ผู้มาเยี่ยมเยือน

หรือบางทีอาจจะสรุปได้ว่าความงามคือการเชื่อมโยงสิ่งต่างๆมาที่ความรู้สึกของเรา สื่งที่สัมผัสใจเราได้ ทำให้เราอิ่มเอมไปกันมัน นั่นหรือคือความงาม?

หากอย่างน้อยอาจารย์คามินก็ได้สอนการทำงานทุกวัน สม่ำเสมอกับอาชีพของเรา
นั่นอาจเป็นความงามของชีวิตอย่างหนึ่งได้หรือไม่?

การทำงานอาจเป็นการหาแรงบันดาลใจให้ตัวเราเอง เพื่อจะได้ทำงานต่อไปอย่างราบรื่น
แรงบันดาลใจคือความงามได้หรือไม่?

การหาแรงบันดาลใจเพื่อให้เกิดความรำรวยทางความรู้สึก เพื่อดำรงอยู่ต่อไปในฐานะมนุษย์คนหนึ่งที่พยายามสร้างงานประดับโลก ถือเป็นความงามอย่างหนึ่งหรือไม่?

หรือทุกๆสรรพสิ่งเป็นเพียงภาพลวงตา
จริงๆแล้วไม่มีอะไรมีอยู่จริง?

                                                             31st century museum

     ภายในห้องทำงานของอาจารย์คามินได้รวบรวมงานที่อาจารย์เคยคิดไว้ไว้ดูเพื่อที่จะไม่ทำงานซ้ำ

     http://www.facebook.com/media/set/?set=a.10151089436291741.430494.587876740&type=3

Mallorca Op.202 by Isaac Albéniz analysis

ท่อนแรก(A)อยู่ในkey D minor

บรรทัดที่ 3 คือ ท่อนที่2(B)อยู่ใน key D major

สัญลักษณ์เทคนิค pizzicato ในบรรทันสุดท้ายห้องที่ 1-3

"สงวนสิทธิ์ มุทิตา นาคเมือง"
Mallorca Op.202 by Isaac Albéniz
         Isaac Albéniz(May 29, 1860 – May 18, 1909) เป็นนักเปียโนและนักแต่งเพลงชาวเสปน เกิดที่ตำบลCamprodonจังหวัดGirona ในประเทศ spain
         Albéniz ถือว่าเป็นคนที่มีพรสวรรค์ตั้งแต่เด็กๆ โดยที่เขาได้แสดงต่อหน้าสาธารณะชนตั้งแต่เพียง 4 ขวบ และอายุได้เพียง 7 ขวบก็สอบผ่านการออดิชั่นเพื่อที่จะศึกษาเปียโนที่ Paris Conservatoire แต่ก็ไม่ได้ตัดสินใจที่จะศึกษาที่นั่นทันที
          จนเมื่อเขาอายุได้ประมาณ12 ปีก็มีโอกาสได้เดินทางไปเปิดแสดงที่ New YorkและSan Francisco จากนั้นก็ได้ไปที่เมือง Liverpool และ London จนอายุได้ครบ 15ปี ถือได้ว่าเขาได้เดินทางเปิดการแสดงทั่วทั้งยุโรปและอเมริกาในปีคศ.1883 Albéniz ได้พบกับนักแต่งเพลงชื่อ Felipe Pedrell ผู้ซึ่งเป็นครูของเขาและเป็นผู้ให้แรงบันดาลใจกับAlbénizเกี่ยวกับการเขียนเพลงที่มีสำเนียงและกลิ่นไอแบบสเปน(nationalism) เช่น ผลงานThe Suite Española, Op. 47 ซึ่งmovement ที่5ของเพลงชุดนี้มีชื่อเสียงและได้รับความนิยมเป็นอย่างมากสำหรับกีตาร์คลาสสิค เพลงนั้นก็คือเพลงAsturias(Leyenda)
          สิ่งที่น่าสนใจอย่างหนึ่งสำหรับsuiteชุดนี้ก็คือแรกทีเดียว Albéniz แต่งขึ้นสำหรับเปียโนแต่หากเพลงนี้ต่อมาได้มีการทำtranscription จากเครื่องดนตรีเปียโนมาให้กับกีตาร์คลาสสิคโดย Francisco Tárrega ซึ่งนอกจาก suite ชุดนี้แล้ว Tárrega ก็ได้ทำtranscription ให้กับเพลงอื่นๆของ Albéniz ด้วย
           


                             Mallorca เป็นชื่อเกาะๆหนึ่งในประเทศสเปนซึ่งเป็นเกาะที่ใหญ่ที่สุดในประเทศ              
               เพลง Mallorca นี้มักพบเห็นในหลายๆtitle เช่น Mallorca เฉยๆหรืออาจจะเป็น Mallorca Op. 202 หรือ Mallorca (Barcarolle)
              
เพลงนี้ประวัติเพลงไม่มีประวัติเพลงเป็นที่กล่าวถึงมากเท่ากับบทเพลงชุด The Suite Española, Op. 47 ของ Albéniz เอง แต่ทว่าเพลงนี้ก็มีคุณค่าในตัวของมันเอง เป็นอีกชิ้นงานหนึ่งที่น่าสนใจมีความไพเราะจากท่วงทำนองที่Albénizบรรจงประพันธ์สำหรับเครื่องดนตรีpiano และเพลงนี้ Tárrega เป็นนักกีตาร์คนแรกที่ได้นำเพลงมาเรียบเรียงใหม่ให้กีตาร์คลาสสิค
             

                เพลงนี้อยู่ในtime signature 6/8  แบ่งเป็นโครงสร้างใหญ่ๆสองท่อนคือA-B-da capo al coda(A-B-A’-coda) ท่อนที่1(A)และท่อนที่2(B)  คือท่อนแรก(A)จะอยู่ในkey D minor(ในเปียโนเป็นคีย์ f#m) และ ท่อนที่2(B)จะอยู่ใน key D major(ในเปียโนเป็นคีย์ F#major) ทำให้เกิดความแตกต่างทางอารมณ์เพลงอย่างให้ได้ชัดจากทำนองเศร้าๆในส่วนที่1(A) กลับมาสว่างสดใสในส่วนที่2(B) 
               เป็นอีกตัวอย่างของเพลงที่ใช้เทคนิคParallel key[กุญแจเสียงคู่ขนาน]ในการแต่ง เป็นลักษณะการแต่งที่ได้รับความนิยมในยุคโรแมนติก

ในแต่ละเพลงนั้นการจูนสายจะแตกต่างกันไปตามแต่ความต้องการของผู้ประพันธ์เพลงหรื อผู้เรียบเรียงเพลงนั้นๆ ซึ่งในเพลงนี้เป็นการจูนสายกีตาร์ที่ไม่ปกติ(Alternative tuning) คือเปลี่ยนสายที่6 จากโน้ตE เป็นโน้ต D สามารถเรียกวิธีการดรอปสายแบบนี้ได้ว่า D-Dropped tunings
                Pizzicato เป็นเทคนิคสำหรับมือขวา  เป็นชื่อเทคนิคการดีดสายไวโอลินแทนการสี
แต่เมื่อนำมาใช้กับกีตาร์แล้ว วิธีการเล่นก็คือใช้สันมือของมือขวาวางทาบกับสะพานสาย(bridge)  แล้วใช้นิ้ว p(หัวแม่มือ) ดีดสาย เสียงที่ได้จึงมีลักษณะคล้ายกับการใช้นิ้วดีดไวโอลิน

 Slur เป็นเทคนิคสำหรับมือซ้าย เป็นเทคนิคที่เป็นการดีดครั้งเดียวแล้วได้โน้ต2เสียงหรือ  มากกว่า2เสียง  สัญลักษณ์ที่ปรากฎจะเป็นลักษณะเส้นโค้งบนหัวโน้ตหรือหางโน้ต

                     ลองฟังตัวอย่างเพลงนี้โดยนักกีตาร์คลาสสิคระดับตำนาน   Julian Bream    http://www.youtube.com/watch?v=27fgP7-pG64                                    
           

Recuerdos de la Alhambra by Francisco Tárrega(1852-1909) analysis

"สงวนลิขสิทธิ์ มุทิตา นาคเมือง " 

Recuerdos de la Alhambra by Francisco Tárrega(1852-1909)
                Francisco Tárrega,(21 November 1852 — 15 December 1909) เป็นนักแต่งเพลงและนักกีตาร์ชาวสเปนซึ่งมีอิทธิพลต่อวงการกีตาร์คลาสสิคเป็นอย่างมาก เขาเกิดที่เมือง Villareal,Castellón,Spain
พ่อของ Tárrega เป็นเล่นกีตาร์สไตล์ flamencoอยู่แล้ว ว่ากันว่าเมื่อพ่อของ Tárrega ออกไปทำงาน Tárrega เองก็จะนำกีตาร์ของพ่อของเขามาเล่นเลียนแบบตามเสียงที่เขาได้ยินจากที่พ่อของเขาได้เล่นนั่นเองเป็นจุดเริ่มต้นที่ทำให้เขาสนใจในดนตรี
                Tárrega เริ่มเล่นเปียโนก่อนที่จะเล่นกีตาร์ เริ่มเรียนกีตาร์อย่างจริงจังในปี 1862และได้เล่นให้Arcasฟังตามคำของร้องของพ่อของ Tárrega หลังจากนั้นTárrega ก็ได้เป็นเรียนกีตาร์กับ Arcasที่ Barcelona
                Tárrega ได้ศึกษาดนตรีที่ Madrid Conservatory ในปี 1874 โดยได้รับการสนับสนุนค่าเล่าเรียนจากพ่อค้าผู้ร่ำรวยชื่อ Antonio Canesa ด้วยความบังเอิญที่พ่อค้าคนนี้ได้ฟัง Tárrega เล่นเปียโนแล้วเกิดความประทับใจในเสียงเปียโนของ Tárrega  ณ คาสิโนแห่งหนึ่งที่ Tárrega ทำงานเล่นเปียโนอยู่ที่นั่น
                 ณ Madrid Conservatory ไม่ได้มีการเรียนการสอนกีตาร์แต่อย่างใด แต่เขาได้เรียนเปียโนและการประพันธ์เพลงและฝึกซ้อมกีตาร์ด้วยตัวเอง
                Emilio Arrieta อาจารย์ผู้สอนการประพันธ์เพลงให้กับ Tárrega ได้มีส่วนสนับสนุนให้ Tárrega เล่นกีตาร์และฝึกฝนการเรียบเรียงเสียงประสานต่างๆให้กับกีตาร์
                นอกจากTárregaจะมีผลงานการประพันธ์เพลงสำหรับกีตาร์แล้วเขายังได้ทำ transcription จากผลงานประพันธ์จากเพลงของเปียโนเช่น งานของ Beethoven, Chopin,Mendelssohn  และ Albeniz

ทาร์เรการ์ถึงกับมีคนตั้งฉายาว่า”พ่อมดแห่งกีตาร์คลาสสิค” เนื่องจากในสมัยที่เขามีชีวิตอยู่เขาคือผู้ที่ประสบความสำเร็จมีชื่อเสียงและได้รับการยอมรับในการแสดงกีตาร์ และเนื่องจากบทเพลงของเขามีความพิถีพิถันเต็มไปด้วยความหมายที่ลึกซึ้ง เทคนิคและรูปแบบที่เปี่ยมไปด้วยสีสัน และผลงานที่มีอิทธิพลเรื่อยมาจวบจนปัจจุบัน ซึ่งผลงานของเขาเองมีคุณค่าอย่างมากต่อวงการกีตาร์คลาสสิค

Recuerdos de la Alhambra (Memories of Alhambra),เพลงนี้ Tárrega ได้รับแรงบันดาลใจมาจาก สถานที่ที่ชื่อว่า Alhambra ซึ่งเป็นป้อมปราการของชาวมัวร์ในเมือง Granada ของสเปน Tárregaแต่งเพลงนี้ในระหว่างที่ได้ใช้ชีวิตอยู่ที่เมือง Granada กับครอบครัวของเขาเองและแต่งอุทิศให้กับเพื่อนชาวฝรั่งเศส Alfred Cottin ผู้ช่วยจัดการเรื่องการแสดงคอนเสิร์ตของ Tárrega ในฝรั่งเศส
เพลงนี้ยังได้เคยถูกเลือกเป็นดนตรีประกอบภาพยนตร์ ของภาพยนตร์ถึงสองเรื่องคือKilling Fields, Sideways

ท่อนแรกใน key A minor

ท่อนที่ 2 (เริ่มที่บรรทัดที่4) อยู่ใน key A major

            เพลงนี้อยู่ในTime signature3/4  แบ่งเป็นโครงสร้างใหญ่ๆสองท่อน คือ ท่อน ที่1(A) และท่อนที่2 (B) คือท่อน A จะอยู่ในkey A minor และ ท่อน B จะอยู่ใน key A major ทำให้เกิดความแตกต่างทางอารมณ์เพลงอย่างให้ได้ชัดจากทำนองเศร้าๆในท่อนA กลับมาสว่างสดใสในท่อน B
            เป็นอีกตัวอย่างของเพลงที่ใช้เทคนิคParallel key[กุญแจเสียงคู่ขนาน]ในการแต่ง เป็นลักษณะการแต่งที่ได้รับความนิยมในยุคโรแมนติก
            เทคนิค Tremolo ถือเป็นเทคนิคพิเศษเฉพาะตัวของกีตาร์คลาสสิคเป็นการสั่นสะเทือนของสายกีตาร์ด้วยการรัวอย่างรวดเร็วบนสายกีตาร์เพียงหนึ่งสาย ให้เป็นทำนองเดียวกันอย่างพริ้วไหวแนบเนียน
เทคนิคนี้เป็นเทคนิคขั้นสูงของการเล่นกีตาร์คลาสสิค ดังนั้นถ้าจะให้เล่นให้ดีต้องมีการฝึกฝนเป็นอย่างมาก
รูปแบบและวิธีการเล่น tremolo ก็คือการเล่น กระจายคอร์ด(Apegio)นั่นเอง  แต่การ เล่น tremolo ได้เพิ่มการเน้นที่ตัว ทำนอง (melody)  ให้มากขึ้น  ด้วยการรัว ให้เสียง melody ต่อเนื่องกันไม่ให้เสียงขาดตอน ด้วยปลายนิ้ว ชี้ กลาง นาง(a-m-i .....)  ส่วนนิ้วหัวแม่มือ (P) จะเป็นตัวกระจายคอร์ด ทำให้บทเพลงที่เล่นด้วย tremolo เทคนิคนี้มีความไพเราะอย่างน่าประหลาดใจ
นอกจากนี้ยังมีเทคนิคสำหรับมือซ้ายที่เรียกว่า slur เข้ามา นั่นคือการที่ดีดสายกีตาร์ด้วยมือขวาครั้งเดียวแต่ได้เสียงโน้ต 2 ตัวโดยที่ไม่ดีดโน้ตตัวที่2 (ตวัดสายด้วยมือซ้าย) ซึ่งเป็นเทคนิคที่ค่อนข้างละเอียดอ่อน ต้องฝึกซ้อม
จะปรากฎเทคนิคนี้ในบางsection ของเพลง




ลองฟังตัวอย่างจากนักกีตาร์สาวชาวญี่ปุ่น Kaori Muraji ค่ะ http://www.youtube.com/watch?v=Ze2xEECWpto